-Метки

акварель англия анекдоты анимация букет букеты весна видеорецепт времена года выкройка вязание крючком вязание спицами городской пейзаж двое девушка дети детство джемпер жакет женский образ живопись животные жизнь жилет зима зимние пейзажи ирина самарина-лабиринт искусство кофточка кошки лес лето лирика луговые цветы любовь масло масляная живопись мастер-класс мастихин море мужчина и женщина музыка настроение натюрморт натюрморты нежность он и она описание вязания осенние пейзажи осень пейзаж пейзажи пионы платье подснежники поздравление от друзей позитив природа проза птицы пуловер рамочка весенняя рамочка для стихов рамочка для текста рамочка зимняя рамочка летняя рамочка осенняя рамочка с девушкой река розы ромашки с девушкой с днем рождения сад сирень сказка смешно снег современное искусство современные художники стихи схема вязания схемка весенняя схемка вязания схемки весенние счастье топ туника тюльпаны утро фото фоторецепт франция фрукты фэнтази холст цветы цитаты чувства юмор

 -Рубрики

 -Фотоальбом

Фотоальбом закрыт всем, кроме списка избранных и списка друзей. Зарегистрироваться!

 -Поиск по дневнику

Поиск сообщений в Трииночка

 -Подписка по e-mail

 

 -Статистика

Статистика LiveInternet.ru: показано количество хитов и посетителей
Создан: 09.11.2010
Записей:
Комментариев:
Написано: 543261



Шедевры Третьяковской галереи (Продолжение)

Четверг, 03 Ноября 2016 г. 16:18 + в цитатник

Шедевры Третьяковской галереи

Начало здесь

Здание Третьяковской галереи (ГТГ)

Государственная Третьяковская галерея принадлежит к числу крупнейших музеев мира. Ее популярность почти легендарна. Чтобы увидеть ее сокровища, сотни тысяч людей приезжают ежегодно в тихий Лаврушинский переулок, что расположен в одном из древнейших районов Москвы, в Замоскворечье. Собрание Третьяковской галереи посвящено исключительно национальному русскому искусству, тем художникам, которые внесли свой вклад в историю русского искусства или которые были тесно связаны с ней. Такой была задумана галерея ее основателем, московским купцом и промышленником Павлом Михайловичем Третьяковым (1832-1898), такой сохранилась она до наших дней. Датой основания Третьяковской галереи принято считать 1856 год, когда молодой Третьяков приобрел первые работы современных ему русских художников, задавшись целью создать коллекцию, которая в будущем могла бы перерасти в музей национального искусства. "Для меня, истинно и пламенно любящего живопись, не может быть лучшего желания, как положить начало общественного, всем доступного хранилища изящных искусств, принесущего многим пользу, всем удовольствие", - писал собиратель в 1860 году, добавляя при этом: ". . . я желал бы оставить национальную галерею, то есть состоящую из картин русских художников".

Внешнее оформление галереи

Поначалу все, что приобреталось Павлом Михайловичем Третьяковым, размещалось в комнатах его жилого дома в Лаврушинском переулке, купленного семьей Третьяковых в начале 1850-х годов. Но уже к конце 1860-х годов картин стало так много, что разместить их все в комнатах не было никакой возможности. С приобретением большой Туркестанской серии картин и этюдов В. В. Верещагина, вопрос о постройке специального здания картинной галереи был решен сам собой. В 1872 году началось строительство, а весной 1874 года произошло переселение картин в двухэтажное, состоящее из двух больших залов (ныне залы № 8, 46, 47, 48) первое помещение Третьяковской галереи. Оно было воздвигнуто по проекту зятя Третьякова (мужа сестры) архитектора А. С. Каминского в саду замоскворецкой усадьбы Третьяковых и соединено с их жилым домом, но имело отдельный вход для посетителей. Однако быстрый рост собрания скоро привел к тому, что уже к концу 1880-х годов количество залов галереи возросло до 14. В 1902-1904 годах весь комплекс построек был объединен по Лаврушинскому переулку общим фасадом, построенным по проекту В. М. Васнецова и придавшим зданию Третьяковской галереи большое архитектурное своеобразие, до сих пор выделяющее его среди прочих московских достопримечательностей

***

3 июня 1918 года был издан декрет Совета народных комиссаров (Совнарком) о национализации Третьяковской галереи и передаче в ее введение Народного комиссариата просвещения (Наркомпрос). 17 июня 1918 года, по предложению Всероссийской коллегии по делам музеев и охраны памятников искусства и старины, народный комиссар просвещения А.В.Луначарский назначил директором Галереи И.Э.Грабаря, который продолжил деятельность по переустройству экспозиции и хранения. При его активном участии в том же 1918 году началось формирование Национального (с 1923 года – Государственного) музейного фонда, в хранилища которого поступали ценности, собранные в результате национализации, конфискации, реквизиции и т.д. По декрету «О музейной сети» от 1924 года, принятому с целью концентрации музейных собраний, Галерея передала принадлежавшие ей картины иностранных художников в музеи западного искусства. Одновременно к Галерее были присоединены на правах филиалов несколько выдающихся московских музейных собраний русской живописи – Цветковская галерея, Музей иконописи и живописи имени И.С.Остроухова и Музей живописной культуры. Фонды Цветковской галереи в значительной степени пополнили третьяковскую коллекцию рисунков и акварелей, из собрания И.С.Остроухова поступили уникальные памятники древнерусской живописи. В 1925 году в Третьяковскую галерею поступило ценное собрание русской живописи из Румянцевского музея, основу которого составляли две знаменитые коллекции – Ф.И.Прянишникова и К.Т.Солдатенкова. Тогда же состоялась передача художественного наследия Александра Иванова – картины «Явление Христа народу», этюдов и рисунков к ней. В 1932 году после оборудования специального зала она была включена в экспозицию Галереи. В конце 1920-х годов формировался отдел новейшей живописи. Галерея стала комплектоваться работами художников, входящих в ведущие творческие объединения, в том числе в Ассоциацию художников революционной России (АХРР), в Общество станковистов (ОСТ), в Московское товарищество художников (МТХ) и другие.

Из Декрета о национализации Третьяковской галереи

К 1920-м годам следует отнести начало выставочной деятельности Галереи, в это время создавались временные экспозиции. Выставки пользовались большим успехом, но не решали проблему переустройства музея. Рост фондов требовал площадей для их размещения. Многие экспозиционные залы были отданы под запасники. В начале 1926 года произошла смена руководства Третьяковской галереи: директором был назначен известный архитектор, академик А.В.Щусев. В 1930-е годы комплектование собрания Галереи происходило главным образом за счет пополнения разделов древнерусского и советского искусства. С присоединением в 1934 году Центральных государственных реставрационных мастерских в Галерею вошел богатейший фонд икон, собранный Комиссией по сохранению и раскрытию памятников древней живописи из упраздненных церквей, монастырей и т.д. Отдел советского искусства был организован в 1931 году, а в 1933 году решением Наркомпроса в Галерею были переданы произведения с юбилейных выставок «Художники РСФСР за 15 лет» и «15 лет РККА», в числе которых находились работы А.А.Дейнеки, П.Д.Корина, П.П.Кончаловского, М.В.Нестерова, И.И.Машкова и других художников. В то же время Галерея приступила к собиранию искусства народов СССР. Она получила право преимущественного отбора картин и скульптур с большинства выставок и конкурсов. В залах Галереи постепенно сосредоточивается «золотой фонд» произведений социалистического реализма. В 1930-е годы в Галерее получила дальнейшее развитие выставочная деятельность: прошли юбилейные выставки-монографии произведений В.Г.Перова (1934), В.А.Серова (1935), И.Е.Репина (1936), В.И.Сурикова и И.Н.Крамского (1937), И.И.Левитана (1938), О.А.Кипренского (1939). Были организованы тематические выставки – к 100-летию гибели А.С.Пушкина и экспозиция «Русская историческая живопись» (1939), а незадолго до начала войны в 1941 году состоялась выставка «Лучшие произведения советских художников». В 1935 году Совнарком принял постановление об ассигновании средств на продолжение реконструкции помещений Галереи и проектирование нового здания. В 1936 году было завершено строительство двухэтажного корпуса по проекту А.В.Щусева. Просторные залы этого корпуса (четыре – в верхнем этаже и четыре – в нижнем) использовались для размещения выставок, а с 1940 года были включены в основной маршрут экспозиции.

Светильник в гардеробной

Авторы светильников (люстр,торшеров и др.) в Третьяковской галерее московские художники Тимур Сажин и Лидия Фомина, избравшие изящный псевдоним САФО. В 60-е годы Тимур и Лидия закончили Московское высшее художественно-промышленное училище (бывшее Строгановское) и за прошедшие четыре десятилетия украсили своими работами музеи и общественные интерьеры России и Франции, Вьетнама и США. Завсегдатаи Третьяковки помнят старую длинную лестницу, тусклое освещение и привычное беглое разглядывание «проходных» картин. Ныне парадная лестница пуста и чиста. На ней блистательно солируют большие и малые люстры из прозрачного и сиреневого стекла, а также два превосходно выполненных торшера, отдаленно напоминающих старые торшеры, стоявшие на тех же местах. Воздушная ажурная пластика люстр, выполненных по проекту наших художников австрийскими мастерами, создает атмосферу праздника, распрямляющего спины и поднимающего головы и, таким образом, подготавливающего встречу с искусством разных веков. Предваряющую постепенность этой торжественной встречи тактично и точно обеспечивает и вся прочая светопластика – люстры гардероба, вестибюля и других промежуточных помещений. Сажин и Фомина удачно применили своего рода «рифму» – стеклянное подобие занавесей (так называемые маркизы), когда-то висевших в этих помещениях. Легкие изящные светильники и люстры украшают не только основное здание, но и скромное по размерам кафе галереи. Другими словами, перед нами продуманный гармоничный ансамбль, а не формальная декоративно-монументальная работа на заказ, которую можно пристроить в любое общественное здание. Очень трудно входить с собственным индивидуальным искусством туда, где существует искусство, проверенное временем. Наши герои отважились на это, и отныне их стеклянная пластика стала еще одним третьяковским экспонатом.

Торшер работы "САФО"

Авторы светильников в Третьяковской галерее московские художники Тимур Сажин и Лидия Фомина, избравшие изящный псевдоним САФО. Проектируя каждый тип люстр и малых светильников в отдельности, Сажин и Фомина, разумеется, заботились и о единстве ансамбля, сочетающего традиционные растительные формы и строгую геометрию, блеск полированных металлических деталей и каскады матового и прозрачного стекла. На парадной лестнице блистательно солируют большие и малые люстры из прозрачного и сиреневого стекла, а также два превосходно выполненных торшера, отдаленно напоминающих старые торшеры, стоявшие на тех же местах. Воздушная ажурная пластика люстр, выполненных по проекту наших художников австрийскими мастерами, создает атмосферу праздника, распрямляющего спины и поднимающего головы и, таким образом, подготавливающего встречу с искусством разных веков.

Первый зал

В центре картина Луи Каравака "Портрет императрицы Анны Иоанновны". 1730. Холст, масло. 262 х 205

Царица престрашного зраку

Такова была на самом деле Анна Иоанновна. "Лицо Анны, все в глубоких корявинах оспы, казалось смуглым, как у мумии. Взгляд имела ужасный, который немногие выдерживали" - так писал современник.

Прелестница с трагической судьбой

Владимир Лукич Боровиковский (1757—1825) - великий русский художник. Является непревзойдённым портретистом, который смог поставить данный жанр на совершенно новый уровень. Его портреты это не просто внешность человека, но и отражение его внутреннего мира, настроения и характера. Картины Боровиковского известны во всём мире и находятся в самых крупных музеях. Одной из самых известных работ является «Портрет Лопухиной». На картине Боровиковский изобразил представительницу графского рода Толстых Марию Ивановну Лопухину (1779—1803). Мария была сестрой известного аристократа, путешественника, дуэлянта Фёдора Ивановича Толстого, которого также знали под прозвищем "Американец". Мужем Марии был егермейстер С. А. Лопухин. Скончалась от чахотки в 1803 году. Долгое время портрет хранился в семье родственников Лопухиной. Он ценился как семейная реликвия. Портрет написан в стилистике эстетизма, который был так популярен в XVIII веке. Здесь женственная красота удачно гармонирует с окружающей её природой. Образ Марии пропитан необычайной и очень глубокой поэтичностью. Картина очень чувственная и одновременно с этим достоверная и реалистичная, а особая живописная манера Боровиковского помогла придать портрету романтичности. Портрет Марии Лопухиной восхищал многих поклонников и ценителей настоящего искусства. Русский поэт Я. П. Полонский, вдохновившись увиденной картиной, написал такие строки:

Она давно прошла, и нет уже тех глаз
И той улыбки нет, что молча выражали
Страданье — тень любви, и мысли — тень печали,
Но красоту её Боровиковский спас.
Так часть души ее от нас не улетела,
И будет этот взгляд и эта прелесть тела
К ней равнодушное потомство привлекать,
Уча его любить, страдать, прощать, молчать.

Орест Кипренский."Девочка в маковом венке" 1819,холст,масло (ГТГ)

Модель изящно и очень по-детски облокотилась на высокий стол и обернулась к зрителю. Прекрасно переданы пластика движения, чистота и естественность ребёнка. Любопытно, что эту картину итальянцы посчитали работой старого мастера. Кипренский писал в Россию: «Мне в глаза говорили... якобы в нынешнем веке никто в Европе так не пишет, а особенно в России может ли кто произвести оное чудо». Позировала ему десятилетняя девочка Мариуччи, к которой художник необычайно привязался и проявлял о ней исключительную заботу. Уезжая из Италии, он устроил её в школу при католическом монастыре, где она и жила. Вернувшись в Италию, О.A.Кипренский осуществил давно принятое решение — жениться на Мариучче (Анне-Марии Фалькуччи), которую он разыскал. Для этого ему пришлось в июне 1836 г. принять католичество, и в июле он обвенчался без огласки. Не известно, обрел ли он желанный покой. Некоторые современники вспоминали, что он ссорился с молодой женой и жестоко пил, другие об этом умалчивают. Но жизнь его подошла к концу: он простудился, заболел воспалением легких и скончался через четыре месяца после свадьбы. Спустя еще несколько месяцев, на свет появилась его дочь, Клотильда Кипренская, но след ее безнадежно затерялся.

Щедрин Сильвестр Феодосиевич Терраса на берегу моря. 1828. холст, масло. 45,4 x 66,5

Пейзажи Сильвестра Щедрина наполнены живым чувством природы, солнечным светом, прозрачным воздухом, неразрывной связью жизни природы с жизнью человека. Так до него не писали русские пейзажисты. Серию «Террасы» художник исполняет в течение 1825-1828 годов. Более чем другие его пейзажи, они конкретны в своем отражении реальной жизни природы, в передаче ее состояния. Одна из лучших в этой серии — «Терраса на берегу моря». Удивительно точно переданы ощущение истомы летнего знойного полдня, прохлада затененной террасы, сладость отдохновения. Щедрин вплотную подходит к проблеме пленэрной живописи, то есть к живописи па открытом воздухе. Он стремится передать воздушную среду, смягчающую формы предметов, наблюдает изменение цвета в различно освещенных местах, подмечает цветные рефлексы, его занимает живая игра света и тени. Пейзажи Щедрина — это поэтический рассказ об Италии, об удивительной стране солнца и моря, об ее мечтательной неге, об ее людях, живущих единой жизнью с природой. Но при этом Сильвестр Щедрин остается русским художником.

Хруцкий Иван Фомич.  Цветы и плоды. 1839. Холст, масло. 65,9 x 88,8

И.Ф.Хруцкий,поляк по происходению,родился в витебской губ.,в семье униатского приходского священника, учился в Полоцком высшем пиарском училище (учебном заведении католического ордена пиаров), где получил первые профессиональные навыки. По его окончании, в 1827 году, он переехал в Санкт-Петербург для дальнейшего обучения; брал уроки живописи у Джорджа Доу, знаменитого английского портретиста, работавшего в России. В 1830 И.Ф.Хруцкий поступил "вольноприходящим учеником" в Императорскую Академию художеств, где существовал класс "цветочный с фруктами и насекомыми". Художник учился у А.Г.Варнека, М.Н.Воробьёва, К.П.Брюллова, Ф.А.Бруни. Он копировал в Эрмитаже произведения европейских мастеров XVII–XVIII века, в том числе натюрморты фламандских и голландских живописцев. В 1836 году за картину "Цветы и плоды"художник получил большую серебряную медаль Академии художеств и звание неклассного (свободного) живописца.В 1839 году получил звание академика "за отличные труды в портретной, пейзажной и особенно по живописи плодов и овощей".С приходом признания к И.Ф.Хруцкому стало поступать много заказов, что объясняет обилие вариантов и повторений (с небольшими изменениями) его натюрмортов.

Венецианов Алексей Гаврилович. На пашне. Весна. Первая половина 1820-х. Холст, масло. 51,2 х 65,5

Венецианов выбирает простые мотивы.Крестьянский труд для художника – нечто исконное, вечное, повторяющееся, схожее со сменой времен года. Фигура женщины изображена в увеличенном масштабе. Движения крестьянки изящны, по земле она не ступает, а будто парит над ней, сарафан красив,как греческая туника. Героиня уподоблена античной богине плодородия Флоре. Младенец на первом плане воспринимается символом материнства и плодородия.В обычной крестьянской сцене художник видит непреходящую красоту древней идиллии. Повсюду разлита торжественная тишина – качество живописи классицизма.

Сорокин Е.С. Нищая девочка-испанка. 1852.

Сорокин Евграф Семенович — русский живописец картин исторического жанра и произведений религиозной тематики. Родился в 1821 году в Костромской губернии. Первоначальное художественное образование получил у провинциального ярославского иконописца. В молодости Сорокин написал несколько сцен испанской и итальянской жизни. Картины хорошо скомпонованы, чисто написаны и вызывают заслуженное уважение к таланту мастера. Вообще Сорокин был очень хороший рисовальщик, обладавший приятным, гармоничным колоритом.

"Крестьянин в беде" скульптора Чижова М.А.

...Словно постарев от горя, сидит крестьянин-погорелец на головнях пожарища, уронив голову на руку. Прильнувший к нему маленький сынишка робко старается вывести отца из горестного оцепенения. Превосходно передал скульптор национальный тип красивого, опушенного бородкой лица русского крестьянина. Глубоко и верно раскрыл он состояние человека, поглощенного своим горем; отчаяние в его лице и глазах, в согбенной фигуре, в жесте правой руки, бессильно опущенной на колено. Он не обнимает сынишку, тот сам прижался к отцовским коленям. Взгляд мальчика устремлен к отцу. Он словно желает отвлечь отца от гнетущих мыслей. Скупые детали—черепок разбитого горшка, подкова, обломок колеса, лежащие возле ног крестьянина, дополняют картину разорения несложного крестьянского хозяйства. При всем сочувствии, которое вызывает погорелец, здесь нет места слезливой жалости; он показан Чижовым как человек сильный, полный внутреннего достоинства и ума. Скульптор создал образ положительного героя, родственный лучшим изображениям крестьян в картинах передвижников и в поэзии Некрасова.

Скульптура "Крестьянин в беде" Фрагмент

Возможно, что в создании образа погорельца сыграли роль и сохранившиеся с детства личные впечатления скульптора. В своей автобиографии он пишет о пожаре в деревне и сгоревшем хозяйстве его семьи. Это тяжелое событие сильно поразило воображение художника и не могло не отразиться на глубоко эмоциональном строе скульптурной группы. Успех скульптуры был общепризнан. Дважды она была показана на Всемирных выставках. Академия присудила Чижову в 1874 году золотую медаль за эту работу. Произведение скульптора воспроизводилось и описывалось многими журналами. В «Вестнике изящных искусств» о нем писали: «В ряду немногих художников, поставивших себе задачей разрабатывать в русской скульптуре реалистические и национальные темы, одно из первых мест должно-быть бесспорно отведено Чижову, точно так же, как его группа должна быть названа одной из самых выдающихся из числа его работ. С редким искусством талантливый скульптор выразил в этих двух фигурах характерные народные типы, вложил в их позу и экспрессию правдивое непритворное горе и в то же время уберегся от тривиальности, не перешел за границу условий, необходимых во всяком истинно художественном изваянии. Скульптура «Крестьянин в беде» в высшей степени выразительна и живописна. Такою она представляется со всех точек зрения, и ее одноцветность не мешает ей производить впечатление, близкое к впечатлению живой действительности». Признание Чижова художниками-передвижниками нашло свое выражение в приглашении его участвовать на 2-й выставке Товарищества передвижных художественных выставок 1873 года.

Взгляд

Уже в начале работы над этой группой Чижов получил одобрение М.М.Антокольского. В своем письме В. В. Стасову в октябре 1871 года Антокольский писал из Рима: «Я обрадую Вас — в русских мастерских все работают на русские сюжеты... Если Чижов окончит так, как у него начато, — выйдет хороший сюрприз для нового искусства», — описывал он далее свое впечатление от скульптуры «Крестьянин в беде». Такую же оценку давал и И.Репин, находившийся в это время в Риме. 8 октября 1873 года он писал Крамскому: «Крестьянин в беде» Чижова — очень хорошая вещь». Композиция Чижова «Крестьянин в беде» созвучна картинам В.Г.Перова, посвященным крестьянской теме. Ее роднит с произведениями Перова глубина передачи психологических переживаний, реализм исполнения. Только передовой художник, страстно желающий воплотить всю боль народа и передать сочувственное отношение к нему, мог создать столь сильный образ. Глубокая правдивость произведения Чижова объясняется и тем, что крестьянская нужда была близка и понятна ему — сыну крестьянина.

"Мокрый луг" Ф.А.Васильев 1872. Холст, масло. 70 х 114

Фёдор Aлександрович Васильев (1850-1873) «Гениальный мальчик» — такое определение чаще других встречается в оценке творчества Федора Васильева. Подвижный, остроумный, необычайно обаятельный, он казался всем, кто видел его впервые, родившимся в сорочке. Что-то напоминающее Моцарта или молодого Пушкина было в натуре Васильева, солнечной и артистичной. Фёдор Aлександрович Васильев — талантливый русский художник- пейзажист. CoздaтeлЬ более сотни живописных работ и множества рисунков. Участник выставок в Петербурге (1867,1868, 1871-1873 гг.) и Москве (1872 г.), всемирных выставок в Лондоне (1872 г.) и Вене (1873 г.). Творческая жизнь Федора Васильева была очень короткой, он умер совсем молодым – в 23 года, так и не осуществив многих творческих замыслов. Но созданные им картины свидетельствуют о рано наступившей зрелости и позволяют считать его выдающимся художником И. Крамской постоянно восхищался необыкновенной талантливостью юноши, сравнивая его с «баснословным богачом, который при этом щедр сказочно и бросает свои сокровища пoлнoй горстью направо, налево, не считая и даже не ценя их». «Гениальный мальчик» — такое определение чаще других встречается в оценке творчества Федора Васильева. Подвижный, остроумный, необычайно обаятельный, он казался всем, кто видел его впервые, родившимся в сорочке. А прожил 23 года. Что-то напоминающее Моцарта или молодого Пушкина было в натуре Васильева, солнечной и артистичной. Фёдор Aлександрович Васильев (1850-1873) — талантливый русский художник- пейзажист. Coздaтeль более сотни живописных работ и множества рисунков. Участник выставок в Петербурге (1867,1868, 1871-1873 гг.) и Москве (1872 г.), всемирных выставок в Лондоне (1872 г.) и Вене (1873 г.).

Ф.Васильев. Волжские лагуны.1870. Холст, масло. Третьяковская Галерея

В 1870 году Васильев вместе с Репиным и Макаровым предпринял поездку по Волге, в результате которой появились рисунки и живописные произведения “Вид на Волге. Баржи”, “Волжские лагуны”, “Зимний пейзаж”, “Приближение грозы”, “Перед грозой” и др. Здесь художник стремился к картинной обобщенности пейзажного образа, тональному единству цветовой гаммы, лирическому переживанию природы. Волга стала для Васильева неиссякаемым источником впечатлений. Он очень много рисовал, поражая спутников совершенством своих работ. Даже Репин, будучи на семь лет старше Васильева, и, конечно, опытнее его, находился под влиянием младшего товарища. «Мы взапуски рабски подражали Васильеву и верили ему. ...он был для нас превосходным учителем».

Грачи прилетели!

Первоначальные этюды к картине "Грачи прилетели" А. Саврасов писал в селе Молвитино, находившемся близ Костромы. Это было довольно большое село со старинной церковью на окраине. Церковь была построена в конце XVIII века. Колокольня с кокошниками у основания остроконечного шатра, белый храм с пятью небольшими куполами. Потемневшие от времени избы, крестовые дворы, деревья с мокрыми стволами, свисающие с крыш длинные сосульки... Сколько было таких сел в России! А.К. Саврасов приехал в Молвитино в марте 1871 года, здесь много и плодотворно работал над этюдами с натуры, так что ни одна мелочь не ускользала от его пристального взгляда. Сначала А. Саврасов отвергает вариант за вариантом, пока наконец не находит тот характерный пейзажный мотив, который и лег в основу полотна. Известность картины началась,когда она была выставлена в Петербурге на выставке Товарищества передвижников. Несмотря на то, что полотно А. Саврасова было показано в окружении других пейзажей, оно сразу же привлекло всеобщее внимание. Небольшой пейзаж вызвал в душах зрителей волнующие чувства, по-новому раскрыв красоту и поэзию скромной русской природы - той самой, о которой писатель К. Паустовский говорил: "Все прелести Неаполя я не отдал бы за мокрый от дождя ивовый куст на берегу Вятки".

Иванов А.А.Голова Христа.1834. холст, масло. 55,4 x 44,8

300 эскизов - законченных гениальных пейзажей и портретов к картине "Явление Христа народу".Иванов называл свои этюды к большой картине "конченными этюдами", "...в них, - говорил он, - заключено лучшее время моей жизни"

Голова Марии Магдалины.1834. х,м. 65 x 56

300 эскизов - законченных гениальных пейзажей и портретов к картине "Явление Христа народу".Иванов называл свои этюды к большой картине "конченными этюдами", "...в них, - говорил он, - заключено лучшее время моей жизни".

Нефф Т.А. Мечтание Вторая-третья четверть XIX века. Крамской И.Н. Христос в пустыне. 1872.

Сюжет картины связан с описанным в Новом Завете сорокадневным постом Иисуса Христа в пустыне, куда он удалился после своего крещения, и с искушением Христа дьяволом, которое произошло во время этого поста.По признанию художника, он хотел запечатлеть драматическую ситуацию нравственного выбора, неизбежную в жизни каждого человека.

Крамской И.Н. (1837-1887) Неизвестная 1883.

Иван Николаевич Крамской (1837-1887) – выдающийся художник второй половины XIX века, занимает одно из ведущих мест в истории русской художественной кулыуры. Рано повзрослевший, мыслящий и начитанный, он быстро приобрел авторитет среди товарищей и, естественно, стал одним из вожаков "бунта четырнадцати" в 1863 г., когда группа выпускников отказалась писать дипломные картины на заданный мифологический сюжет. После ухода бунтарей из Академии Художеств именно Крамской возглавил созданную по его инициативе Артель художников . Крамской – один из основных создателей объединения передвижников, тонкий художественный критик, страстно заинтересованный в судьбах русского искусства, он был идеологом целого поколения художников-реалистов. Он принял участие в разработке устава Товарищества и сразу сделался не только одним из самых деятельных и авторитетных членов правления, но и идеологом Товарищества, защищавшим и обосновывавшим основные позиции.

Семирадский Г.И. Танец среди мечей. 1881. Холст, масло. 120 х 225

Генрих Ипполитович Семирадский (1843 Новобелгород, Харьковская губ. — 1902 г. Стшалково) — польский и русский художник, один из крупнейших представителей русского академизма. Учился в петербургской Академии Художеств (АХ) (1864-70); пенсионер АХ в Мюнхене (1871) и Риме (1872-77). Профессор петербургской АХ (с 1877). Жил в основном в Риме. Автор многочисленных произведений на сюжеты из истории античности и раннего христианства ("Светочи христианства", 1876, Национальный музей, Краков; "Танец среди мечей", 1881, ГТГ; "Фрина на празднике Посейдона в Элевсине", 1889, ГРМ), отличающихся мастерством композиции и рисунка, детальной разработкой эффектов солнечного освещения. В то же время эклектический, поверхностно-театральный характер творчества Семирадского вызывал резко отрицательные отзывы со стороны русских художников и критиков демократического направления.

Улучшенный вариант Масленицы Кустодиева

Кустодиев "Масленица"

Зал Маковского

Маковский Константин Егорович 1839, Москва – 1915, Петроград Сын художника Е.И.Маковского, брат художников В.Е. и Н.Е.Маковских. Первые уроки получил в семье и у В.А.Тропинина. Учился в Московском училище живописи и ваяния Московского художественного общества у М.И.Скотти и С.К.Зарянко. Одновременно учился в Императоркой Академии художеств в Санкт-Петербурге (ИАХ).Академик,профессор,действительный член ИАХ.Учредитель и и член Товарищества передвижных художественных выставок.Много путешествовал.Жил в Москве, затем в Санкт-Петербурге; с середины 1880-х – в основном в Париже, где имел собственную мастерскую (с 1893). Лауреат всемирных выставок в Антверпене (1885, высшая почетная награда) и Париже (1889, золотая медаль 1-го класса).

Маковский К.Е. Дети, бегущие от грозы 1872.

К.Е.Маковский принадлежит к известной в России семье художников. Живописцами были его отец, Егор Иванович, три брата – Александр, Владимир и Николай, сестра Александра и племянник Александр Владимирович. К.Е.Маковский успешно работал в разных жанрах: портрете, исторической и бытовой живописи.С особым лирическим чувством художник обращался к сюжетам из крестьянской жизни. Темы для своих работ он собирал в поездках по Тверской, Тамбовской, Симбирской губерниям, на Украине. Где-то в бескрайних лугах увидел художник простую сценку, ставшую сюжетом для большой картины. Надвигающаяся гроза застала деревенских детей далеко от дома. Босоногая девочка в простом сарафане, дешевеньких бусах, с грибами, завязанными в передник, и доверчиво обхвативший ее шею белоголовый малыш бегут от дождя. Они реальны каждой своей черточкой и, одновременно, напоминают сказочных героев – сестрицу Алёнушку и братца Иванушку. Художника привлекло ощущение тревоги перед грозой, объединившее природу и детей. 

Детские личики Бродский В.П. Амур,спящий в раковине 1852.Мрамор

В зале К.Маковского.

Спящий Амур Рама картины Маковского Маковский К.Е. В мастерской художника 1881.

Маковский был страстным коллекционером,и его коллекция служила питательной средой для его творчества. Безостановочно покупал он красивую старину со вкусом знатока,но без особого разбора - и нужное,и не нужное.

 

Рама картины. Деталь Деталь рамы Максимов В.М. Все в прошлом. 1889.

Василий Максимович Максимов родился 17 января 1844 года в деревне Лопино Санкт-Петербургской губернии. Василий рано лишился родителей. В 1855 году он переехал в Санкт-Петербург. Мастерству художника обучался в иконописной мастерской, куда был отдан в ученики. В 1863 году Максимов поступил в Академию художеств. В 1865 году Максимов пишет картину «Больное дитя», за которую получает золотую медаль и статус художника третьей степени. От конкурса на большую золотую медаль художник отказывается. Он решает отправиться в Тверскую губернию, где планирует изучать русский быт. В это время Максимов состоит учителем рисования в имении Голенищевых-Кутузовых. В череде картин, описывающих жизнь крестьян, особняком стоит полотно «Все в прошлом». Эта работа посвящена теме вымирания дворянских усадеб. Картина проникнута грустью по ушедшим временам. В последние годы Максимов вынужден был терпеть постоянные лишения. Его картины практически не продавались. Художник скончался 18 ноября 1911 года в Санкт-Петербурге.

"Всё в прошлом" фрагмент Дети с птичкой Лаверецкий Н.А.Мальчик неаполитанец с обезьяной 1870. Шишкин И.И. Рубка леса 1867.

Эпопея русского леса, неизбежной и существенной принадлежности русской природы, началась в творчестве Шишкина, по существу, с картины Рубка леса (1867).  Для определения "лица" пейзажа Шишкин предпочел хвойный лес, наиболее характерный для северных областей России. Шишкин стремился к изображению леса "ученым образом", чтобы угадывалась порода деревьев. Но в этой, казалось бы, протокольной фиксации содержалась своя поэзия бесконечного своеобразия жизни дерева. В Рубке леса это видно по упругой округлости спиленной ели, которая кажется стройной античной колонной, сокрушенной варварами. Стройные сосны в левой части картины тактично окрашены светом угасающего дня. Излюбленный художником предметный план с папоротниками, сочной травой, сырой землей, разорванной корневищами, зверьком на переднем плане и мухомором, контрастирующий с торжественным и гулким лесом, - все это внушает чувство упоения красотой материальной жизни природы, энергией произрастания леса. Композиционное построение картины лишено статичности - вертикали леса пересекаются, разрезаются по диагонали ручьем, поваленными елями и растущими "враздрай" наклоненными осинами и березами. Нетрудно заметить еще одну особенность Рубки леса: ее литературные переклички - свойство, примечательное для искусства передвижников. Картина ассоциируется со стихотворением Некрасова "Плакала Саша, как лес вырубали". Однако Шишкин не перекладывал литературный сюжет на язык живописи. Если внимательно всмотреться в картину, то станет ясна чисто внешняя, сюжетная связь с произведением Некрасова. Смысловые же акценты существенно смещены. У Шишкина глухому лесу приданы вполне житейские интонации, прозаические моменты: дровосеки, дымок от костра, распиловка дерева тактично вписаны в торжественный строй картины природы. Некрасов же прибегает к метафорам, олицетворениям, символам.

Знаменитая "Рожь"

Этот шедевр экспонировался на 4й передвижной выставке, прошедшей в 1878 году в помещении Общества поощрения художеств. Тему для произведения, как и для многих своих картин, Шишкин нашел на родине, во время поездки в Елабугу.Основная идея раскрыта самим художником в краткой записи, сделанной на одном из эскизов: «Раздолье, простор, угодье. Рожь. Божья Благодать. Русское богатство». Не найти русского пейзажиста, который бы не писал проселочную дорогу, затерявшуюся в безбрежье русских полей. Дорога в данном случае выступает символом национальной жизни, обрастая массой подсмыслов. Могучая сосна – символ всего шишкинского творчества. Бесконечно влюбленный в русский лес, он выписывает ее нежно и подробно – с клонящимися от тяжести вниз ветвями, причудливо искривленным стволом, с гордо вознесенной в самую высь верхушкой. Некрасов, чье творчество было очень близко Шишкину, написал после своего возвращения из-за границы: Все рожь кругом, как степь, живая, Ни замков, ни морей, ни гор, Спасибо, сторона родная, За твой врачующий простор.

Утро в сосновом лесу 1889.

Мотив хвойного леса, к которому обращается Шишкин в этой картине, типичен для его творчества. Вечнозеленые сосны и ели подчеркивают ощущение величия и вечности мира природы. Часто встречается в картинах художника и композиционный прием, когда верхушек деревьев срезаются краем холста, и огромные мощные деревья будто бы не вмещаются даже в достаточно большое полотно. Возникает своеобразный пейзажный интерьер. У зрителя возникает впечатление, что он оказался внутри непроходимой чащи, где уютно чувствуют себя медведи, расположившиеся на сломанной сосне. Их изобразил К.А.Савицкий, который сообщил родным: "Картина продана за 4 тысячи, и я участник в 4-ю долю". Далее Савицкий сообщал, что ему пришлось поставить и свою подпись под картиной, однако затем он ее снял, тем самым отказался от авторского права.

Шишкин И.И. Дождь в дубовом лесу. 1891.

Кто только не упрекал Шишкина за однообразие сюжетов, за якобы присущую его произведениям «фотографичность» изображений, за «равнодушное копирование натуры»! Сейчас кажется удивительным, что подобная, репутация равнодушного и хладнокровного копировальщика природы могла сложиться у вдохновенного художника, который одним из первых в русском искусстве сумел открыть своим современникам красоту и поэзию родного пейзажа во всей его величественной простоте. Вот отрывок из воспоминаний современницы, которая представляет нам художника восторженного, мятущегося, вдохновенного: "- Помню, однажды меня застигла в лесу гроза. Сначала я пыталась укрываться под елями, но тщетно. Скоро холодные струйки потекли по моей спине. Гроза промчалась, а дождь лил с прежней силой. Пришлось идти домой под дождем. Свернула по тропинке к даче Шишкина, чтобы сократить путь. Вдали, над лесом, сквозь густую сетку дождя светит яркое солнце. Я остановилась. И тут на дороге, возле дачи, увидела Ивана Ивановича. Он стоял в луже, босиком, простоволосый, вымокшие блуза и брюки облепили его тело. - Иван Иванович! Вы тоже попали под дождь? - Нет, я вышел под дождь! Гроза застала меня дома... Увидел в окно это чудо и выскочил поглядеть. Какая необычайная картина! Этот дождь, это солнце, эти росчерки падающих капель... И темный лес вдали! Хочу запомнить и свет, и цвет, и линии... ----------- Шишкин Иван Иванович 1832, Елабуга Вятской губернии – 1898, Санкт-Петербург Родился в купеческой семье. Учился в Московском училище живописи и ваяния Московского художественного общества (с 1866 – Московское училище живописи, ваяния и зодчества) в 1852–1856 у К.И.Рабуса и А.Н.Мокрицкого, затем в Императорской Академии художеств в Санкт-Петербурге (ИАХ) в 1856–1860 у С.М.Воробьева. Пенсионер ИАХ (1862–1865) в Мюнхене, Праге, Дюссельдорфе. Живописная манера художника находилась под сильным влиянием дюссельдорфской школы пейзажа. Академик ИАХ (с 1865). Профессор ИАХ (с 1873). В 1894–1895 возглавлял пейзажную мастерскую Высшего художественного училища при ИАХ. Член-учредитель Товарищества передвижных художественных выставок (1870). Действительный член ИАХ (с 1893). В творчестве Шишкина русская природа представлена величественно и мощно. Его произведения сочетают в себе аналитический подход с масштабностью и эпическим размахом видения. Ярким примером этого служит знаменитая картина "Рожь" (1878), ставшая символом русского пейзажа.

Левитан И.И У омута 1892.

Левитан. Живописец, оставивший одну из самых тревожащих душу страниц в летописи мировой пейзажной школы. Его холсты - строки одной чудесной поэмы - Россия.Исконно городской житель, он сумел остро, проникновенно отразить неброскую прелесть русской природы, воспел времена года. В умении без эффекта, без жеста сказать что-то глубоко спрятанное, затаенное, отдать эту тишину людям - одно из драгоценных качеств дара Исаака Левитана, человека сложного, ранимого... Зато как пронзительны, осязаемо щемящи его молчаливые, статичные, внешне спокойные мотивы! „У омута". Он написан недалеко от Затишья. Когда-то там было имение Берново, принадлежавшее баронессе Вульф. Живописец бродил в его окрестностях и однажды увидел ветхую плотину. Заводь. Отражение деревьев... Мотив ему показался. Сама баронесса поведала легенду об этом страшном месте. Оказывается, здесь бывал Пушкин, когда гостил в имении Малинники. Великий поэт записал рассказ о трагедии, случившейся у заброшенной мельницы. У старика-мельника - любимая дочь Наташа. Красавица и шалунья. А у деда баронессы Вульф - конюший. Сама судьба свела их. Наталья уже ждала младенца. Какой-то холуй донес об их любви барину. Конюшего секли. Полуживого отправили в солдаты. Наташа утопилась... Говорят, что эта драматическая легенда дала поэту ткань для „Русалки". Художник не раз ходил к омуту. Бродил по шатким бревнам. Вглядывался в тяжелые блики заводи. Кувшинникова, подруга Левитана, позже вспоминала: "...Целую неделю по утрам мы усаживались в тележку - Левитан на козлы, я на заднее сиденье - и везли этюд, точно икону, на мельницу, а потом так же обратно". Но дело не ограничилось неделей. Настала осень. Софья Петровна Кувшинникова уехала. Художник остался один. И тут у гостеприимных хозяев начал писать картину. Тоскливая пора года. Одиночество. Все способствовало созданию шедевра.

Шедевр

"Золотая осень" 1895г. В середине 1890-х, все еще проживая со своей возлюбленной Софьей Петровной Кувшинниковой в одной из живописных провинциальных барских усадеб, Левитан внезапно влюбился в отдыхающую на даче по соседству Анну Николаевну Турчанинову. И даже попытка суицида Софьи Петровны на почве ревности не охладила пыл художника. У него завязался бурный и страстный роман с Анной Николаевной, в который была вовлечена и ее старшая дочь Варвара. В этот период художник создает ряд картин, созвучных его тогдашнему душевному состоянию. Левитан был частым гостем в доме Чеховых в Мелихове. Однако Антон Павлович, и особенно его сестра Мария, не разделяли новых пылких увлечений друга. Скептически относился писатель и к появлению «бравурности» в его последних картинах. В частности, «Золотая осень» далека от тех элегически-печальных образов осенней природы, которые были свойственны Левитану. В яркой и повышенно декоративной работе чувствуется возбуждение и напряженное ожидание счастья, что никак не вяжется с мироощущением самого живописца и, следовательно, по мнению Чехова, не должны присутствовать в его творчестве. Однако именно это ожидание счастья делает картину подлинным шедевром пейзажа настроения. Не говорит ли оно о той сокрытой силе жизни, которая, не смотря ни на что, все же была присуща художнику? Эта сила жизни проявлялась не часто, и ложилась она на холсты светом нездешним. Картина вся словно дышит прозрачной негой. Березки на первом плане трепетно чисты и невинны. Мазок художника - предвестник импрессионизма - ложится легко и непринужденно, оживляя пейзаж игрой света и дуновением легкого ветерка. Золотая осень – это, прежде всего, прощальная краса и «пышное природы увяданье» (Пушкин). Все это передают многие художники на своих полотнах. Но тонкий лиризм и светлая грусть свойственны лишь Левитану. Они проходят по всему творчеству мастера и освещают его осенние работы с особой силой мистического чувства. В повести о Левитане писатель Константин Паустовский дал очень емкую, но удивительно образную оценку его осенним картинам: «Никто из художников до Левитана не передавал с такой печальной силой неизмеримые дали русского ненастья. Оно так спокойно и торжественно, что ощущается как величие. Левитан, так же как Пушкин и Тютчев и многие другие, ждал осени, как самого дорогого и мимолетного времени года.

"Март" 1895.

Картина была написана Левитаном в марте 1895 года, когда он жил в усадьбе Горка в Тверской губернии. Она экспонировалась на выставках 1896 года, и в том же году была куплена Павлом Третьяковым. Картина «Март» считается одним из наиболее известных и ярких образцов пейзажного наследия Левитана. Она также служит примером влияния импрессионизма на творчество художника. Этот жизнеутверждающий пейзаж, сочетающий в себе живописное изображение снега, весеннего неба и деревьев, считается «открытием в русской пейзажной живописи». Впоследствии этот мотив стал популярной темой у многих русских пейзажистов XX века — Игоря Грабаря, Константина Юона и других.

Левитан Исаак Ильич Вечерний звон. 1892.

Картина «Вечерний звон» написана в 1892 году.Идея написать картину, изображающую вид монастыря в лучах заходящего солнца, пришла к Левитану, когда он жил в Слободке под Звенигородом, и наблюдал на закате Саввино-Сторожевский монастырь. Два года спустя, уже будучи в Плёсе, в поисках новых мотивов для картин, Левитан поехал в Юрьевец, и недалеко от него увидел небольшой монастырь, вид которого возродил у него желание написать такую картину. Таким образом, в сюжете картины переплелись видения этих двух монастырей.

Остроухов Илья Семёнович Золотая осень 1887.

След в истории искусства можно оставить по-разному. Кто-то создает немеркнущие шедевры, а кто-то бережно собирает и коллекционирует их, чтобы передать потомкам. В гении Ильи Остроухова счастливо объединились две эти способности. Он собирал живописные полотна и образцы древнерусской живописи, которые сам реставрировал. Другой страстью выдающегося коллекционера было творчество. В созвездии русских художников XIX столетия свое место по праву занимает Илья Семенович Остроухов. «Золотая осень» - известный пейзаж, созданный в 1887 году, прямо с передвижной выставки, где демонстрировали свои полотна звезды первой величины, попал в Третьяковскую галерею.

Шедевр! "Бабушкин сад" Поленова

Поленов славился среди прочих художников тем, что в своих пейзажах он лучше других умел передать то или иное настроение. Примером такой картины является его работа «Бабушкин сад», соединяющая в себе пейзаж с жанровой сценой. На полотне представлено дворянское гнездо XIX столетия. Большую часть холста заняло изображение одичавшего густого сада. На заднем плане виден старый запущенный особняк. Сам дом хотя и деревянный, но украшенный портиком, колоннами, фронтоном и лепниной. Это был типичный прием в дворянской архитектуре того времени: дома строили из дерева, а поверх него для представительности наносили штукатурку, создавая видимость каменной кладки. Но старая штукатурка на доме уже заметно облупилась, открыв нашему взору старые бревна, карниз проржавел, лепнина, колонны и ступени также потеряли былое великолепие. А ведь когда-то по этим ступеням бегали детские ножки и шелестели полы платьев молодых красавиц, спешивших на балы. На переднем плане картины мы видим старую женщину – владелицу особняка, и ее внучку. Они медленно прогуливаются по залитой солнцем песчаной дорожке вдоль заброшенного разросшегося сада – молчаливого свидетеля юных лет своей хозяйки. Бабушка одета в старомодный салоп темно-коричневого цвета и белый чепец, а на девушке красивое нежно-розовое платье – такое, какое было в тогдашней моде. Одежда и поза женщин служат в качестве некоего противопоставления старого и нового, которое, по сути, является главным мотивом картины. Пожилая дама кажется такой же дряхлой, как и ее жилище. Неумолимый бег времени не щадит никого. На наших глазах уходит в небытие целая эпоха и ее культура. Однако подобные размышления, возникающие при взоре на картину, не порождают чувства печали. Скорее, настроение, которое создает это творение Поленова, можно охарактеризовать как ностальгию или светлую грусть.

В.Д.Поленов Заросший пруд

Картина «Заросший пруд» написана великим русским художником Василием Поленовым в 1879 году и тогда же была продемонстрирована на семнадцатой Передвижной выставке, полюбившись всем ценителям истинного искусства.

Только для пользы



Огромная признательность за фото и описание Opiskar

Рубрики:  Мои мечты о дальних странах, фотопутешествия/Парки и сады. Музеи и сокровища мира
Фотохудожники, художники и их работы
Россия. Города. Культура
Метки:  

Процитировано 8 раз
Понравилось: 49 пользователям



koreckolga   обратиться по имени Четверг, 03 Ноября 2016 г. 16:46 (ссылка)
Интересно! Благодарю, Иннушка!!!
Ответить С цитатой В цитатник
Валентина_Шиенок   обратиться по имени Добрый вечер! Четверг, 03 Ноября 2016 г. 16:53 (ссылка)
Очень интересный пост,Инночка!Спасибо!
Ответить С цитатой В цитатник
Оля-душка   обратиться по имени Добрый вечер!Инночка!!! Четверг, 03 Ноября 2016 г. 16:56 (ссылка)
Спасибо ,Инночка!С удовольствием прошлась по Третьяковке!!!!!!!!!!!!!
Ответить С цитатой В цитатник
Madam_Irene   обратиться по имени Четверг, 03 Ноября 2016 г. 17:24 (ссылка)
Спасибо Инночка за прекрасное
Ответить С цитатой В цитатник
IVANNA_ALAYA   обратиться по имени Четверг, 03 Ноября 2016 г. 17:56 (ссылка)
Чудесно, Инночка! Но...
Ответить С цитатой В цитатник
Ipola   обратиться по имени Четверг, 03 Ноября 2016 г. 18:59 (ссылка)
Благодарю, Инночка! И схема миленькая! Всё прекрасно!
Ответить С цитатой В цитатник
АЛЬФИЯ_ГАБДУЛЛОВНА   обратиться по имени Четверг, 03 Ноября 2016 г. 19:20 (ссылка)
Ответить С цитатой В цитатник
marusya_esk   обратиться по имени Четверг, 03 Ноября 2016 г. 20:13 (ссылка)
Добрый вечер, Инночка! Спасибо, очень интересно))
Ответить С цитатой В цитатник
Gostena   обратиться по имени Четверг, 03 Ноября 2016 г. 20:34 (ссылка)
Спасибо за прекрасную экскурсию, Инночка!!! Чудесного вечерочка!!!
Ответить С цитатой В цитатник
Gloriy_65   обратиться по имени Четверг, 03 Ноября 2016 г. 20:59 (ссылка)
Трииночка, Благодарю за интересный пост,Инночка!Приятного вечера!
Ответить С цитатой В цитатник
mimozochka   обратиться по имени Четверг, 03 Ноября 2016 г. 21:22 (ссылка)
Спасибо Инна!!Прогулялась по галерее и прекрасное впечатление!Спасибо!
Ответить С цитатой В цитатник
Annakraj   обратиться по имени Четверг, 03 Ноября 2016 г. 23:43 (ссылка)
Спасибо за интересный пост!!!Такие знакомые картины!!!
Ответить С цитатой В цитатник
valniko77   обратиться по имени Пятница, 04 Ноября 2016 г. 01:42 (ссылка)
Спасибо, Инночка, за прекрасный пост и чудесное описание к картинам!Великолепная подборка картин, с удовольствием посмотрела!
Ответить С цитатой В цитатник
Татьяна_274   обратиться по имени Пятница, 04 Ноября 2016 г. 06:44 (ссылка)
Спасибо, Инночка, - с удовольствием посмотрела и познакомилась с интересной информацией!
С праздником тебя, дорогая!
Гордимся мы большой страной своей,
Она для нас огромным домом стала,
И в этот праздник мы желаем ей,
Чтоб развивалась, крепла, процветала!
Успехов ей желаем от души,
Чтоб жил в достатке россиянин каждый,
И с этим ярким праздником большим
Я поздравляю всех российских граждан!
Ответить С цитатой В цитатник
Miss_Astra   обратиться по имени Пятница, 04 Ноября 2016 г. 10:25 (ссылка)
Спасибо, Инночка!
Ответить С цитатой В цитатник
кравцова_зина   обратиться по имени Пятница, 04 Ноября 2016 г. 12:59 (ссылка)
ИННОЧКА , спасибо , хоть и была несколько раз . н пусть и в дневнике будут.
Ответить С цитатой В цитатник
lyplared   обратиться по имени Пятница, 04 Ноября 2016 г. 13:29 (ссылка)
Это и правда-шедевры! Спасибо!
Ответить С цитатой В цитатник
olychca   обратиться по имени Пятница, 04 Ноября 2016 г. 20:04 (ссылка)
Трииночка, Замечательный пост! Спасибо Вам большое!
Ответить С цитатой В цитатник
virfox   обратиться по имени Суббота, 05 Ноября 2016 г. 18:08 (ссылка)
Спасибо, Инночка, настоящая экскурсия!
Ответить С цитатой В цитатник
Комментировать К дневнику Страницы: [1] [Новые]
 

Добавить комментарий:
Текст комментария: смайлики

Проверка орфографии: (найти ошибки)

Прикрепить картинку:

 Переводить URL в ссылку
 Подписаться на комментарии
 Подписать картинку